Hidden in the lost belongings of an Astrobiologist are clues for the journey ahead. Welcome to "Astra," your ticket to the stars.

This Mixed Reality Experience transports you from Earth to the deepest corners of the cosmos as you embark on a quest to uncover the key ingredients of life in the Universe. Step foot on planets and their dark moons in a search for future worlds and far away beings.

Une plongée entre musique et bruits dans les paysages sonores suédois,
en collaboration avec des audio-naturalistes
chasseurs de sons d’oiseaux.
 

Biblioquête donne aux écrans des médiathèques la capacité de devenir des fenêtres sur la bibliothèque elle-même, en organisant une recherche d’ouvrage.

C’est pendant cette recherche qu’un écrivain nous conte sa découverte de la lecture.

Pour le premier épisode, Timothée de Fombelle est l’écrivain invité qui nous guide dans l’aventure. Son récit est illustré par Olivier Tallec.

Le sonore s’est construit en liens étroits avec le développement 3D, afin d’épouser l’univers et retranscrire son aspect changeant et génératif.

On trouve ainsi tous les standards d’une navigation à la première personne. Une construction de paysages mixtes avec des sources 2D et 3D selon que l’on souhaite pousser l’environnent ou le narratif. L’utilisation de la proximité et du mouvement comme vecteur d’interactions sonores (relié à l’espace et/ou au geste). L’intégration d’embranchement musicaux (prélude d’une musique adaptative).

Le parti pris de certains paysages et des bruitages est de jouer avec la désynchronisation son-image complète. C’est une technique qui permet d’atténuer pour les jeunes publics ce qui pourrait être considéré comme violent.

Quand à la musique, elle prend des accents burtoniens avec ses instruments burlesques (voix synthétiques, piano de saloon désaccordé) mais elle prend parfois des tournures plus contemporaines et donne au récit plus de maturité.

L’idée est que l’enfant va grandir harmoniquement d’une musique de contes à une musique plus atonale. On peut sentir cette évolution, dans le contraste de ces 2 extraits :

Dans cet exemple de déambulation enregistrée en binaural natif
(casque stéréo nécessaire),
on peut ressentir la spatialisation du paysage sonore.

Le système est construit autour d’un son multicanal 8.0. L’espace accueille également une création radiophonique que l’on peut suivre au casque, cette écoute est couplée avec le paysage sonore.

Ecologie sonore. L’exposition étant permanente un soin particulier a été donné pour alléger certaines fréquences et produire peut d’effets de répétition. Toutefois l’espace intérieur permet de véritablement entrer dans le son.

Firebird est une visual novel, ces livres dont vous êtes le héros, expérience qui appelle un autre rapport au son.

Format Novel :

Firebird expérimente un format sonore un peu nouveau, car dans ce type d’objet vidéoludique, on retrouve souvent de longue musique d’ambiance. Ici la construction musicale change selon les choix lisibles ou non du joueur et chaque scène s’adapte en intensité à l’esprit du texte (plus qu’à l’image d’ailleurs).

Toutefois, du fait d’un certain nombre d’animation et de présence visuelles, Firebird convoque aussi quelques logiques cinématographique (intervention extradiegetique rattachée à une action) ou même le bruitage. On est donc moins dans la lecture accompagnée que dans une visual novel qui simule le mouvement, le voyage.

Des “paysages informés”

L’idée dans certaines scènes de ne pas mettre de musique permet de diversifier le langage sonore. Le réalisme des paysages sonores a été pensé de manière complète en utilisant des sons situés et informés.

Les musiques :

L’expérience musicale est celle d’un conflit entre raison et mysticisme. Le camion, espace de mouvement, de construction et de protection, s’opposent aux formes turbulentes et magiques de la mythologie russe.

Il a donc été réalisé deux soundtracks opposées structurant l’ensemble des deux espaces narratifs (matérialisme et fable) qui viennent frotter l’une contre l’autre. Ce système permet de comprendre la part de magie de chaque scène.

1. La part traditionnelle est construite autour d’instruments russes anciens, chaque forme divine ayant classiquement son thème. Les instruments évoluent à mesure du voyage vers des sonorités plus asiatiques, montrant une progression vers l’est.

Firebird est un objet pop dans lequel une foule d’éléments sonores et de références sont incrustés dans le système narratif, jusqu’à leur mise en scène dans le jeu.

2. La part moderne de la musique est un matériau mélangé dans lequel on retrouve la production fictive d’un groupe de Post-Rock des années 90. Ce dernier, dont le jeu est parfois chaotique, convoque toute sorte d’accents New wave (Talk Talk) ou revival russian coldwave, ainsi que des références à Cosma, Carpenter ou Morricone, comme une sorte de structure sous-jacente.

La musique du jeu mélange des timbres pour amener le joueur, par touche successives dans une ambiance de “Eastern Spaghetti”.

2024 premiere : 15 March, 2024 to 25 May, 2024, Perrotin Shanghai

https://leaflet.perrotin.com/view/748/sculpture-park

https://vivearts.com/projects/xavier-veilhan-sculpture-park

Une forme musicale, la forme sonate,
comme support architectural d’exploration .

Archi-sonata propose un voyage à travers la musique et l’espace, déconstruire son lien avec la musique de Beethoven pour en comprendre la forme subtile, ici, La Pastorale. Ôde au plaisir de la marche champêtre.

De l’archive au Musée, de la sculpture à la forme musicale, la musique de Beethoven s’inscrit dans des lignes mouvements.

L’expérience permet, après un parcours initiative donnant accès à des versions déconstruites de l’oeuvre, de se “déplacer” dans l’orchestre pendant qu’il joue. Son mouvement permet au public de venir au contact des basses, des violoncelles ou des flutes le temps du voyage.

C’est d’abord une fable sur des grains de sable étoilés
trouvés sur plusieurs plages de la mer de Chine orientale… Ce sable étoilé s'appelle Baculogypsina sphaerulata, une espèce particulière de foraminifères, et est le protagoniste d'une légende locale sur le Nord Etoile, la Croix du Sud et un serpent de mer mythique…

The Starry Sand Beach est une expérience interactive VR autour d’un contes de fée scientifique. Issu d’une légende chinoise, elle rencontre avec modernité la tragique disparition des coraux.

Vous êtes invité à voyager de la mer vers le ciel, en partant d'une petite pièce avant de vous enfoncer profondément dans la mer et de revenir vers les étoiles, aussi innombrables que tous les grains de sable de la Terre.

Dans ce jeu d'échelles en constante évolution, vous vous retrouverez tout aussi petit au milieu des étoiles et des foraminifères. Le sable étoilé est le véhicule poétique qui emmènera les utilisateurs du fond de l'océan aux profondeurs de l'espace.

L'expérience se divise en trois parties : la légende, la forêt sous-marine et l'exploration de la mémoire géologique ancienne de la Terre, remontant à la naissance des foraminifères il y a 400 millions d'années. Tout au long de l'expérience et avec les foraminifères, vous serez témoin des multiples menaces qui pèsent sur les micro-organismes marins et coralliens, incarnés par un serpent de mer symbolisant l'acidification des océans.

Nina Barbier

In this project, I intended to match science and poetry, as the stars combine these two elements: for science, they are a plasmatic celestial corpse shining from their own light, but in a poetic and mythologic way, they tell stories and legends.

Hsin-Chien Huang

The essence of this experience is to understand the starry beach sensibly and rationally. Both the sensible mythical tale and the rational scientific explanation are equally important to create the full experience.

hybridation

7 Lives est d’abord une rencontre prolifique entre un format narratif linéaire, le cinéma, et un modèle non linéaire, le jeu vidéo. Le cinéma vient avec ses enjeux de continuum et de dramaturgie. Le jeu vidéo engage des outils de narration spatialisée, des interactions et la temporalité flexible du joueur.

Ce mariage a permis des métissages variés et le projet est très vite devenu un espace d’expérimentation ludique de la linéarité.

Ce mélange pourrait sembler délicat en VR. Pourtant la position centrale de l’observateur, sa vision à 360 degrés et la captation de ses gestes, ont généré de nombreux effets sonores séduisants : un hors champs interactif ou "hors champs fuyant », une voix off dont le statut change en cours de route, ou même le générique. Tout devenait prétexte à inventer.

De la signature à l’écriture sonore

Dès le début, la richesse de l’univers et le dispositif cinématographique obligeait à organiser une masse importantes de sons. Le système sonore construit par tranches, chacune ayant son mode de spatialisation et pouvant être joué ensemble. Certaines couches sont fixés à l’image, d’autres sont synchronisées à des effets visuels calculé en direct, d’autres enfin peuvent être assimilées à des « jouets sonores » autonomes.

L’univers narratif de 7 Lives est rendu possible par l’imbrication des identités. Cette question, inséparable du format VR, est centrale dans la narration. Ici, passer d’un monde à un autre, c’est passer d’une conscience à une autre, d’une personne à une autre...

Le son est une signalétique à travers ce labyrinthe de personnalités gigognes. Un fil d’Ariane. Ou plutôt, 7 fils d’Ariane sonore tendus entre des moments de vie. En écoutant la présence et les vibrations de ces fils, nous pouvons avancer dans l’histoire.

Dans l’expérience, les moments de liberté et de contraintes participent entièrement de l'écriture sonore. Selon le lieu, notre emprise sur le son est différente. Enfermé dans un souvenir traumatique, nous subissons la narration et encaissons des bruits parasites masquant la porte de sortie. Dans un moment de pleinitude, nous sommes libre de faire évoluer le paysage sonore à notre gré. Ainsi, plus notre conscience est libérée dans le récit, plus nous libérons la capacité du joueur à changer son environnement sonore.

A certains endroits de l’expérience le spectateur est rendu à une écoute plus calme et attentive, un temps de pause, sortant de l’hystérie traumatique. Pour les personnages, il s’agit de moments de présence intime et infinie. Afin de rendre cette présence palpable, nous avons mis en place un outil simple permettant d’amplifier l’impression de spatialisation selon la position de la tête du joueur.

Cette technique permet de faire apparaître des zones habituellement peu audible des paysages sonore 3D (haut-bas) mais aussi, en modifiant la modifiant en direct, de déléguer une part d'engagement du joueur dans sa narration.

L’enjeu charnière a toujours été le déploiement d’une grammaire pour une écriture sonore interactive. C’est pourquoi on trouve dans 7 Lives de nombreux temps d'écoute pour :

· découvrir des bruit-indices et débloquer le récit
· subir des contraintes sonores nous détournant de ces indices
· jouer avec des interactions sonores indépendantes

Ainsi, dans certaines scènes, on va activer avec nos mouvements des sons proches de nous. Selon leur fonctionnement, ces bruits permettent de se trouver ou de se perdre, tantôt de surprendre, tantôt de renforcer un effet. L’enregistrement de certaines sources en binaural dit « natif »  nous ont permis d’avoir un retranscription fidèle de l’espace et notamment dans les derniers centimètres d’écoute (entre 0 et 1m50 de nous).

Jouer avec l'espace sonore

Rencontre entre le cinéma et l’interaction,
7 Lives sonde une grammaire sonore spatiale.

“The Scream is a sensory-driven documentary that brings Munch’s thoughts and demons to life. This virtual reality experience uses The Scream as a launching pad, exploring the painter’s obsessions and works in an audio-visual staging of the most famous scream in the history of art. It all starts in a museum hall, where the viewer is free to walk around and interact with the space. As he turns his gaze to the painting, he is thrust into another world, an imaginary sensory-packed world. A world on the outskirts of reality that taps into the painter’s psyche and unfolds in three chapters.”

“S.E.N.S VR est le premier jeu en réalité virtuelle inspiré d’une bande dessinée. Vous y incarnez un homme perdu dans un labyrinthe aux lois étranges. Que cherche-t-il ? Où allez-vous ?

Pour accomplir ce voyage initiatique, il vous faudra autant de capacités d’observation que d’imagination. Vous suivrez des flèches aux mille formes, évidentes ou cachées sous des illusions graphiques.

Surpris(e) par un mirage, emporté(e) par une tempête, volant au-dessus de villes infinies, vous aurez le plaisir de vous perdre et de retrouver votre chemin sans difficultés, mais non pas sans interrogations.”

vidéo 360°

Seven Grams est une expérience documentaire en réalité augmentée sur mobile et tablette. Elle s’inscrit dans la continuité du travail journaliste de Karim Ben Khelifa et engage une reflexion sur le coût humain, lointain, de nos technologies.

Seven Grams fait apparaître un contraste technologique, une chaîne, nous faisant revenir en permanence à la matière, à notre téléphone, à la roche.

L’application hybride plusieurs formats visuels traités chacun dans sa singularité. C’est le cas par exemple de l’immersion AR dans des scènes 3D avec un système sonore de proximité permettant de jouer avec l’inclusion et l’engagement de l’utilisateur (1) C’est le cas également de l’animation stop motion 2D au crayon bruitée de manière rudimentaire (2).

L'installation réalise un rapprochement entre le lieu et son contenu mais également avec son environnement. Emmuré, le Cabinet graphique est un espace camouflé, peu lumineux, ses jours sont obturés. Le son vient stimuler un espace extérieur fantasmé. Dans le cadre plus institutionnel d'une visite, D'un_trait agit comme un "temps de pause", une halte au sein du musée. Cela en fait mécaniquement un lieu d'attente et de regroupement. C'est la présence d'un corps qui active les vagues de crayonnés et rend compte d'un trait d'union entre visiteurs.

D'un_Trait est une œuvre sonore qui propose un passage au sein du Cabinet graphique du musée de L’Oise. En créant un lien entre les objets graphique présents dans la pièce et ce qui est représenté dans les dessins, l'installation est une évocation de l'imaginaire par le faire, le témoignage sonore du croquis ou parfois même d'une simple ligne.

Le trait est souvent premier dans la construction d’une œuvre picturale. Il est organique et directif. Il délimite les perspectives et les ambitions. L'écoute, elle, est amarrée à la feuille, par le carbone ou le fusain, mais s'échappe dans un paysage, négocie avec l'activité d'un animal ou d'une ambiance... Le visiteur est mis en position d’interroger, par comparaison, le bruit d’un objet concret et le son de la trace qui dessine cet objet. 

La transformation du son d'un crayon vers ce qu'il illustre est aussi celui d'une création en préparation, en construction, en devenir. Elle s'inscrit dans un continuum en mutation. Ephémère, le trait, comme tout bruit, est destiné à être recouvert par d'autres matériaux.

L'exercice d'écoute est trouble. L'évidence de certaines associations sonores renvoie à l'équivoque dans d'autres. Impossible d'être certain de ce qui est dessiné. Cette ambiguïté est accrue par le truchement de bruits graphiques autonomes, non suivis d'effets.

A Constant Move Forward est un jeu vidéo expérimental d'installation du collectif One Life Remains.

Le joueur est projeté dans un univers composé de formes en constante évolution. Inspiré par les travaux sur la frontière de la lumière de James Turell, les transformations graphiques sont d'une lenteur qui les rendent presque imperceptibles.

Festival GamerZ 2015

Jeu vidéo expérimental, A Constant Move Forward s’intègre dans la démarche assez singulière du collectif One Life Remains qui tisse ici, dans une même entité à la fois jouable et expressive, différents éléments contradictoires appartenant au domaine de l’art contemporain et du jeu. Combinant immobilité et mouvement, contemplation et action, épure et saturation, le jeu se joue avec une manette et se caractérise par une mise en abîmes en mode travelling avant du joueur dans un décor de masses à éviter de plus en plus dense et rapide.

Le système sonore, utilisant un son unique, est directement modifié par le code et synchronisée avec les évolutions colorielles. Le défi du son unique est renforcé par une propension du jeu à accélérer et donc à modifier l'attaque, le maintien et la chute de l'enveloppe du son. Cette "prise de contrôle" de l'espace sonore par le code a permis d'expérimenter des nuances fines dans le rapport Son/Gameplay et des variations microtonales.

Les recherches originelles sur l'intégration de bruit blanc comme base de tous les autres sons s'étant révélé inadéquat pour révéler la taille des formes, c'est une boucle produite par synthèse et retravaillée au niveau spectral qui est aujourd'hui utilisée. Le timbre singulier permet de créer une ambiguïté sur la source du bruit qui pourrait tout autant être produit par le joueur, par les formes ou par le passage des formes.

Cette boucle permet également de rendre compte de deux éléments structurant le gameplay : le loop mutant de la map (Level Design) et la pression de l'ennui sur le joueur.

1000 Galantes est un jeu réunissant jusqu'à 25 joueurs porteurs de pointeurs laser. Le gameplay est très émergent, les joueurs organisent et maintiennent un éco-système énigmatique et géométrique. 1000 Galantes est un jeu dont les règles se dévoilent à mesure que les joueurs les découvrent. C'est un jeu qui ne devient un jeu que lorsque l'on comprend qu'il s'agit d'un jeu car rien n'est donné aux joueurs.

1000 Galantes suppose un engagement collaboratif des joueurs qui doivent mettre en oeuvre leur ingéniosité et s'entraider pour passer les niveaux au dépend du parasitisme (troll) des joueurs solitaires.

Les recherches sonores ont très vite convergées vers une mise à plat du paysage sonore. Le son a ici une double fonction. Certains feedback aident les joueurs à situer leur action dans l'ensemble, d'autres à créer de la confusion en mettant en valeur des actions parasites ou de l'aléatoire. Le sonore est donc un élément du gameplay permettant de masquer certaines intéractions pour perdre le joueur. La hiérarchie entre la musique et les bruits n'existe plus et produise un chaos organisé propice à des logiques de mise en commun des efforts.

De nombreux types de bruits sont utilisés dans 1000 Galantes : des bruits électroniques, des clics électro-acoustiques, des bruits concrets divers, mais aussi des accords de piano qui s'inspirent des travaux de Morton Feldman (Trio).  

Sauvons le Louvre est un projet de jeu narratif et de gestion de ressources dans lequel nous partageons les pérégrinations de Jacques Jaujard. 

1944, le conservateur du Louvre doit protéger les oeuvres du musée parisien en parcourant des phases de négociations et de gestion, en déplaçant les oeuvres de musées en musées. Le jeu n'étant pas manichéen, il ne prend pas le parti du bon contre le méchant, mais permet de comprendre comment, dans une période trouble, les nécessités font loi.

Le défi de ce type de thématique est de ne pas être simpliste. Car, comme dans beaucoup de jeu, on cherche à poser un ton, un curseur émotionnel et une intensité dans l'engagement du joueur.

Souvent imaginée noire et triste, l’occupation se caractérise en réalité comme un temps "gris", ménageant des espaces de marchandage entre éthique et survie. La défaite militaire et les contraintes de l'occupant poussent très vite les français à se jeter sur le rire pour exorciser leur traumatisme. A Paris, les spectacles comiques se multiplient, les salles sont combles et la musique crie avec force la joie et le bien être. Il fallait donc retrouver dans le sonore du jeu ce prisme oublié.

Le travail avec Florent Maurin nous ont conduit à choisir une intention Jazz modernisée (tirant les intentions des cuivres très 40' vers les années 50' comme pour tirer le joueur vers la sortie du conflit). Il n'est pas fait ici référence à ce que l'on pourrait appeler du "Jazz français", les écrits sont contradictoires quant à sa véritable place sous l'occupation. Connue en 1940 par les français et les allemands, certains indiquent que cette musique "de sauvages" se développe fortement en France à cette époque, d'autres qu'il ne s'agit pas de jazz.

Notre modèle musical est plutôt américain et propose un reflet de ce que sera l'américanisation de la culture populaire dans les décennies d'après-guerre... La musique a donc un rôle annonciateur d’une autre occupation. Nous souhaitions également associer des interventions instrumentales chaotiques (légèrement désaccordées) et un mixage qui s'apparente à celui d'une cave pour renforcer l'idée de résistance. Enfin, le territoire mélodique, est tantôt très marqué, tantôt comme engloutie, selon les phases de jeu. Quelques citations de chansons interdites par les nazis y figurent.

Autour du projet

Illustre et inconnu, le documentaire sur Jacques Jaujard dont le jeu est la continuation, vient de remporter la prestigieuse récompense : un Emmy Award.

Générations est une œuvre vidéoludique conçue pour se déployer sur plusieurs siècles. À la différence d’un jeu vidéo traditionnel, il est impossible de terminer une partie de Générations de son vivant. Au joueur de décider à qui transmettre la partie, s’il souhaite qu’un jour, une personne puisse atteindre le sommet du niveau. 

Par ce biais, l’œuvre interroge à la fois la notion de patrimoine numérique, la capacité du joueur à inscrire sa performance de jeu sur des logiques à très long terme et le principe d’obsolescence qui caractérise les supports digitaux, aujourd’hui pensés sur des logiques d’usage à temps court.

Ici, c'est la nature générative du gameplay qui a guidé la nature générative de la musique.

Kindo est un jeu tactique d'opposition au tour par tour... il met en place des mécaniques simples mais une profondeur de lecture permettant de produire un bon nombre de stratégies.

Identité médiémaliste

L'identité sonore du jeu se fixe dans un grand écart entre une thématique graphique (le rétrofuturisme) et un imaginaire (le territoire médiéval). Travail minimaliste autour de l’injection de code anciens.

Bruitages tactiles

Les prototypages successifs nous permettent de dégager une intention précise sur la perception tactile en cherchant non à simplement sonifier, mais à donner l'impression d'un contact. Cette logique d'imitation nous à poussé à placer le curseur du volume et de hauteur tonale assez bas pour certains sons afin que, tablette posée devant soit, on ai la sensation d'entrer en contact avec quelque chose.

Cette idée d'intégrer les sons à un niveau sonore léger permet en outre d'éviter une lutte entre l'interface de jeu et les nuisances de l'environnement du joueur.

La seule musique du jeu est donc cachée.

Celle-ci est construite avec une double envie.

D'abord, créer un système harmonique en couche pour intuiter l'effet "matriciel" du gameplay. Ensuite, fusionner deux éléments contextuels classiquement incompatibles : une marche militaire et une nostalgie ludique pour créer une identité sonore singulière.

"Nous réalisons un jeu d’aventure point’n’click (dans la lignée des jeux Lucas Arts des années 90). Nous avons l’ambition de rendre ce jeu captivant, très drôle, et le plus beau possible…" Fibre Tigre

Lié au projet : une aventure radiophonique abandonné avec Fibre Tigre.

Créer le sonore d'un PnC n'est pas chose facile. Non pas que l'on cherche absolument à immerger - l'immersion est une donnée qui dépend autant du gameplay et de la narration que de l'univers graphique ou sonore - mais plutôt à construire un TOUT. Un tout, c'est à dire un paysage sonore mêlant des bruits, des ambiances et une musique de façon cohérente. 

Pour ce type de jeu, la musique extradiégétique est d'abord lié au feedback de résolution des énigmes et aux potentielles transitions entre les scènes. Un "Wall to Wall" dans un jeu à énigme n'est pas admissible.

De nombreux prototypes ont été réalisés et la direction artistique s'est vite concentrée autour de musiques synthétiques, post new wave ou synth pop. Ce qui aurait pu dénoter avec le paysage, le renforçait, et renforçait également le charisme du personnage (Hugo, un informaticien débonnaire).

Il est habituel, dans l'indiegaming, de montrer ses pistes de réflexions tout au long du processus créatifs avec le game designer ou le visual designer.

Voici les premiers prototypes musicaux de la construction des thèmes (décomposés pour faciliter les échanges avec les auteurs). 

L'idée d'une médiation culturelle émotionnelle, interactive et sonore dans un lieu prestigieux "L’appartement privé de Jeanne Lanvin par Armand-Albert Rateau, 1924-1925".

Un dispositif complet qui mêle interaction et création sonore sur mesure pour interroger de nombreuses dimensions du rapport entre objet et spectateur : diversité d'appropriations dans la médiation, apport du sensible à l'expérience muséale, composante ludique (recherche) qui valorise la curiosité.

Quant au contenu sonore, une part est liée à une reconstitution informée des sons des années 20-30 (bruit de rue, morceau de musique écrit par une amie de Jeanne Lanvin, reconstitution d'une émission de radio avec des acteurs) et l'autre est constitué de murmures diffusés via un projecteur sonore (canon à son), technologie mise à disposition par Erasme pour délimiter des espaces sonores précis et donner l’impression au visiteur qu’on leur souffle dans l’oreille.

Liens  
• Le musée des Arts Décoratifs
• Certaines photos du diaporama sont de Lorena Biret
• Explication du dispositif par Erasme

UX

Le visiteur perçoit un son d'ambience extérieur venant de l'intérieur de la pièce. Attiré, il entre dans l'espace d'interaction et le son de l'extérieur s'évanouit progressivement avec le mouvement d'approche... En tendant d'oreille, les murmures de Jeanne Lanvin deviennent perceptibles sans que l'on puisse situer la source sonore. A l'effet de surprise, se substitue un effet de "disparition" de la pièce regardée, plaçant le visiteur dans une relation nouvelle et intime avec le lieu (un boudoir).

Le Cabinet de curiosité numérique est un lieu itinérant de présentation d'innovation technologique et poétique. Il peut éclore dans tout espace et se structure autour d'une image végétale. Cette vitrine est une vision de l'entreprise nod-a, précurseur dans les nouveaux usages du numérique.

Produire la musique de ce lieu s'est fait en deux étapes. Tout d'abord la récupération de matériau sonore sur la structure elle même : bruit de tissus, bruit de métal joué sur la structure... Dans un second temps la construction de la composition s'articule autour de l'idée de nomadisme. Le mouvement est lent, collé au rythme de la marche, accompagnant la progression du CCN dans son espace d'exposition, puis nait l'installation, avec son lot de bruit de montage, enfin le voyage reprend bouclant se flux ininterrompu de mouvement et d'accroche.

Le mélange entre les bruits de la structure, qui viennent grincer, les tambours tribaux, les microstructures électroniques... l'ambition de retrouver ce vent d'orientalisme bigarré qui avait donné, du temps de la création des Cabinet de curiosité d'autrefois, l'accès au souffle du désert.

Il est important de préciser ici que :
" We choose to use 7 differents proteins because of their particular transmembranair structur allowing listeners to be more easily conscient of theirs structurals particularity. "

Opsine / Transducine / Photosysteme I / Mthk / Sérotonine receptor / DRD3 / Acetylcholine receptor

Pourquoi cette l'installation ?

- Créer une passerelle entre science et art
- Produire du design d'information pour le grand public
- Penser les domaines d'expertises de façon croisée
- Fabriquer un outil sonore capable de produire du sens
- Utiliser l'outil pour réaliser des protéines imaginaires
- Sensibiliser aux questions biologiques et écologiques

Texte de présentation donné au public

PROTEIN & OUT

"Protein & out" est une oeuvre de médiation scientifique. Elle s'est construite autour d'un design de l'information biologique et de la confrontation de ce système avec celui de la musique (au sens large). Le projet prévoit de sonifier des protéines et intègre un grand nombre de datas : chaîne d'acides aminés, masses, domaines, formes, position dans la cellule.

Une autre appréhension de l'information scientifique est possible, elle passe par l'éveil mais également par d'autres canaux médiatiques. Avec le sonore, on engage les visiteurs dans une perception émotionnelle de l'information scientifique complétée par l'apport visuel d'une représentation 3D.

Loïc Lauréote (BioHacker) et Franck Weber (Artiste sonore) collabore depuis 9 mois pour accoucher d'un projet dont le dessein originel est de réconcilier la monstration de la Science et de l'Art.

Expérimentation mathématique de ce que d'aucuns appellent la "musique protéique". Il s'agit ici d'interpréter les codes de certaines protéines via les codes de ses acides aminés. Le visiteur peut suivre le parcours sonore des AM via une représentation 3D, le code est également diffusé lettre par lettre. Ecouter les datas est peut être la première marche d'une écoute nouvelle, mêlant l'ensemble et le détail, créatrice de sens. L'idée ici est que le sonore puisse transmettre des informations pour accéder à la complexité.

Le parti pris sonore met en valeur une composition bruitiste. Les notes de musique, déjà utilisées par le MIT dans les années 60, semblait un langage insuffisant pour retranscrire les propriétés fines des protéines : masses des acides aminés, groupe (hydrophobe, polar, charged +, charged -), région (extra-membranesque, cytoplasmique, transmembranesque), domaine (helix, turn, strand).

Disponible : le travail en cours sur la partie sonification de la séquence d'acides aminés constituant une protéine. Exemple de protéine: le prion humain sur le site de Gérard Paresys

• Gérard Paresys
• tmp/lab
• La Paillase, Bio Hacking
• La Gaîté Lyrique

Un cocktail de différents formats sonores live ou mixtes, dans le cadre politique d’élection présidentielle en France : détournement radiophonique, accompagnement sonore de performances artistiques, warm up expérimental, et des "rembobinages", format proche d’improvisation de montage.

“Aux urnes citoyens !”, nous crient les médias… oui, voter, c'est important, mais la citoyenneté se limite-t-elle à glisser son bulletin dans les urnes? De Wikileaks au mouvement Occupy, les citoyens appellent à l'avènement de sociétés plus démocratiques, à de nouvelles répartitions des pouvoirs. Alors, la démocratie s'arrête-t-elle à l'élection de nos représentants? Comment internet et les nouveaux outils technologiques redistribuent les cartes permettent au citoyen d'agir au niveau politique? Et que faire face à la surdité des urnes? Faire la fête? 

Alors que la campagne présidentielle occupe les esprits et à l’occasion de la sortie du dernier numéro de la revue Ravages : “Vote et Tais toi !”, Ravages s’associe à Silicon Maniacs, Radio Nova et Graffiti Research Lab pour une soirée radio autour du thème de la démocratie et de la citoyenneté. 

WARM UP / MICRO FOULE : un micro se déplace dans un foule et capte des bouts de phrase mixée live avec de la musique.

REWIND (Rembobinage) : Un résumé d'une émission de radio montée live et diffusé au moment du cut final mais à l'envers. Modification des perspectives et improvisation.

A cute speaker containing over 1,000 sounds that you and your friends can trigger from a smartphone or tablet over the internet.

Reportages décrivant un parfum et une mode… des usines de verreries au défilés en passant par une interview de Olivier Rousteing de la marque Balmain.

Production de six reportages sur les jeunes créateurs de la biennale de Houilles. Travail autour d'intervention sonores inscrivant l’univers visuel dans une émotion et une dynamique muséale et étrange.

Lien avec ce projet

Experimentation musicale autour du style VHS Style, au départ dans une intention hantologique. Goldie est un projet qui se fonde sur les mythes de la société de consommation du siècle passé en utilisant de nombreuses références aux instruments des années 80.

Dans "Mayonnaise", les images proviennent d'une publicité australienne.